Live report – Bury Tomorrow + Chunk! No, Captain Chunk! – Honky Tonky

Fra le prime uscite discografiche del nuovo anno una delle più attese era senz’altro quella degli Against Me!, band che negli ultimi tempi aveva fatto parlare la stampa musicale più per le “vicende” personali del proprio leader Tom Gabriel. Beh, è proprio dei cambiamenti avvenuti al singer a livello personale che tratta questo nuovo lavoro, in qualche maniera rappresentando un nuovo inizio sotto diversi punti di vista. La band lascia la perfezione e il sound troppo radio-friendly del precedente “White Crosses” e ritorna alle chitarre rumoreggianti del periodo di “Eternal Cowboy” e “Searching Former Clarity”.

Il punk rock con influenze folkeggianti che aveva permesso agli Against Me! di emergere all’inizio del nuovo millennio lo ritroviamo nelle ottime “Unconditional Love” (al basso c’è il buon Fat Mike) e “Drinking With The Jobs”. La formula migliore degli Against Me! viene dunque riproposta ma in questo nuovo album i testi personali riguardanti Laura colpiscono per la sincerità e la schiettezza con la quale vengono trattati. Versi che hanno un impatto ancor più efficace se cantati in maniera perfetta e con ottime melodie di base come nel caso di “Transgender Dysphoria Blues”, “True Trans Soul Rebel” e “FuckMyLife666” (forse la migliore canzone del lotto). Un album che passa veloce (durata complessiva di poco inferiore alla mezz’ora) ma per le oggettive belle canzoni di cui composto e forse proprio per la brevità ti invoglia da subito a riascoltarlo e riascoltarlo ancora.

L’attesa e la curiosità per questo nuovo disco hanno avuto un premio finale decisamente gustoso; siamo solo all’inizio dell’anno ma “Transgender Dysphoria Blues” degli Against Me! penso che sarà una delle migliori uscite dell’annata.

Voto: 7,5/10

David Lorandi

www.againstme.net

against me
I Rotting Our, provenienza Los Angeles (CA) si presentano con un EP “Reckoning” di 5 pezzi, 3 tracce originali e 2 cover ( Circle Jerks ) dalla potenza e dall’aggressività tipica del genere Hardcore. Nei 20 minuti ( scarsi ) registrati viene a galla lo sfogo incontrollabile e deciso di una band che punta ad un settore definito, senza alcuna sfumatura al melodico, senza alcuna apertura a generi differenti. Come propongono nella loro biografia, i Rotting Out si avvicinano molto ad altri predecessori come Suicidal Tendencies e Pennywise: chitarre acidissime, cori pompatissimi a sostegno di una voce perfetta per il genere ( forse a volte troppo mono-tonale ) e parte ritmica tirata, lineare nell’intera durata del brano. Per gli amanti del genere hardcore/punk è sicuramente un EP da ascoltare, ascoltare ancora e alla fine fregarsene se i brani piacciono o no, perché di questo lavoro deve rimanere solo la consapevolezza che a Los Angeles tira un vento fortissimo nell’ambiente Hardcore.

Le parole del cantante Walter Delgado esprimono il loro concetto di musica: “This is an intro to the LP, it’s like a trilogy”, “I know what I did (BORN), I know what I have (EYES WIDE), I know what I’m going to do (END OF THE ROAD)”. in 3 frasi riassumono una linea guida dei brani dell’EP.

Restiamo in attesa di ascoltare un prossimo Full Length della band per cercare di capire se la linea tracciata con le unghie in questo settore potrà essere ancora ben visibile.

Track list: 01. Born 02. Eyes Wide 03. End of the Road 04. I Don’t Care (Circle Jerks cover) 05. Live Fast Die Young (Circle Jerks cover)

Voto: 7/10

R.M.
Il trascorrere degli anni ha i suoi pro ed i suoi contro. Qualcuno dice si acquisisca saggezza, ma chiaramente questo va a scapito dell’irruenza, dell’impulsività, della freschezza giovanile. Spesso la stessa cosa accade ai gruppi. Più passano gli anni, più si migliora dal punto di vista formale e stilistico perdendo però la grinta iniziale, lo smalto, quel quid, quel qualcosa in più che non ha un vero e proprio nome ma travolge l’ascoltatore.
Ascoltando “Westwinds”, il nuovo album dei Real McKenzies, è questa l’impressione che se ne ricava. Il gruppo canado-scozzese, sulle scene dal 1992 e quindi ormai più che maggiorenne, sforna forse uno dei migliori cd a livello tecnico, a cui però sembra mancare qualcosa: la freschezza, per l’appunto.
Sostituito per l’occasione lo storico cornamusista Matthew McNasty con la new entry Gordon Taylor, già al primo ascolto risulta evidente che Paul Mckenzie e soci vogliano proseguire sul percorso tracciato da “Off The Leash”, ossia un progressivo allontanamento dai suoni più grezzi, dalle canzoni più scavezzacollo, per ottenere un generale implacidimento. Il tutto condito a un generale pessimismo nei testi che si ripercuote anche sulle sonorità, che, per la prima volta, quasi per l’intero cd sembrano rifuggire dall’allegria tipica del loro sound: per chi già conosce il gruppo, è quasi difficile ritrovarsi dopo il primo ascolto, se non fosse per l’inconfondibile voce del cantante Paul, che caratterizza tutto il disco.
Come detto, in “Wasteland” le sonorità dei Real si avvicinano più del solito al folk, con le eccezioni di Bluenose, Burnout ed Halloween, più la bonus track Song For Mike, dedicata a Fat Mike. E’ riscontrabile un certo qual gusto per la ballata, che conduce anche a tracce forse un po’ troppo “canoniche” e “prevedibili”, come “Hi Lily”, ad esempio. La cornamusa ha la solita rilevanza e, le poche volte in cui non accompagna il brano dall’inizio alla fine, si limita a dettarne il riff iniziale per poi riprendere preponderanza nel ritornello. L’ultima traccia è addirittura un assolo di cornamusa, forse per farsi perdonare Barret’s Privateers, canzone quasi da osteria, cantata in coro, con l’unico accompagnamento della batteria.
Dal punto di vista testuale il gruppo accentua la sua visione pessimistica della vita, ed è curioso che il pezzo musicalmente più allegro di tutti sia “The Massacre Of Glencoe”, dedicato ad un massacro di 40 persone avvenuto in Scozia nel 1692. E sebbene la filosofia di fondo del gruppo permanga (ed è sintetizzata in Burnout e Fool’s Road: dormo fino alle cinque, bevo, mi diverto, e poco m’importa dei giudizi della gente), affiora una forte e nuova tendenza a narrare le vicende di “eslusi” della società, in special modo i marinai, ed i loro viaggi, come ad esempio in The Tempest o in Burnout.
Nel complesso il giudizio concernente il cd è positivo, pur con qualche precisazione: il gruppo è maturato, innegabilmente perdendo in freschezza ed immediatezza dei brani (ma questo spesso è inevitabile), ma acquisendo più consapevolezza dei propri mezzi.

Votazione: 6.5/10

Maga

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foto by R.Magli live at Live Club – Trezzo

Real McKenzies
Emily’s Army è un nome abbastanza anonimo ma quando leggerete che alla produzione del loro ultimo disco vi è un certo Billie Joe Armstrong e alla batteria il giovanissimo figlio del leader dei Green Day, beh, la curiosità aumenterà di certo.

Nonostante la giovane età “Lost At Seventeen” è già il secondo full-length per la band la quale mostra un certo miglioramento rispetto all’esordio “Don’t Be A Dick” (veramente acerbo). Il quartetto propone brani semplici caratterizzati dall’energia del rock’n’roll e da linee vocali decisamente melodiche. In alcune canzoni sembra di ascoltare i Foxboro Hot Tubs come nell’iniziale “Part Time Burn” o in “I Am The President”, in altre si fanno notare le ottime doppie voci che rendono più interessante e gradevole l’ascolto come in “Kid Just Wanna Dance”. “Avenue” forse è il brano dell’intero album che ricorda maggiormente i Green Day, quelli di Nimrod o degli ultimi album ma anche in altri pezzi ci potrete scorgere delle citazioni più o meno evidenti. Del resto pensandoci bene è abbastanza naturale e comunque non guasta assolutamente.
I pezzi buoni ci sono tra le ben 16 tracce di questo lavoro e sono ben distribuite anche nella parte finale; da “Pathetic And In Love” sino a “Digital Drugs” l’atmosfera adolescenziale e da party emerge chiaramente dandoci quell’impressione di sana ed immatura spontaneità.

Il destino futuro di questa band probabilmente sarà sempre quello di essere etichettati come dei “raccomandati” o ricordati solo per la presenza di un batterista dal cognome importante; il primo passo è stato quello di passare dalla “familiare” Adeline Records alla Rise Records ma ora avranno il dovere di dimostrare sul palco il loro vero valore e in questo senso il gruppo avrà l’opportunità di partecipare all’importante Warped Tour. Quindi un ascolto a questa band emergente va concesso, possibilmente senza pregiudizi, giusto per passare un momento di sano Rock’n’Roll senza troppe pretese.

Voto: 6,5/10

David Lorandi

emilysarmyband.com

"Green Day" Billie Joe Armstrong Emily's Army punk Punk rock rise records rock
Tornano Brian Fallon e soci con “Get Hurt”, album nuovo di zecca che va a succedere il fortunatissimo e tanto acclamato “Handwritten”, distante ormai più di due anni. I quattro del New Jersey non vanno a discostarsi troppo da ciò che li ha portati a fare il vero salto nel panorama musicale, quel rock raffinato, romantico, ricercato (quante “R”, per Dio!) che è riuscito a catturare anche ascoltatori, come il sottoscritto, non troppo dediti alla causa.

Sin dall’iniziale “Stay Vicious” si sente che c’è qualcosa di più grezzo, ma forse non troppo, rispetto al già citato “Handwritten”, anche se il mood del pezzo, e in generale, dei pezzi, resta comunque carico di atmosfere riflessive ed emotive, con un timing comunque sempre piuttosto basso. “1000 Years” è un brano di ottima fattura, così come la tranquilla title track “Get Hurt”, che sembra ripropormi nei secondi iniziali qualcosa della memorabile “Street Of Philadelphia”, per poi giungere ad un ritornello in grado di catturarmi grazie a particolari suoni acuti davvero interessanti. Anche “Underneath The Ground” è caratterizzata da toni piuttosto calmi e pacati, mentre la tripletta “Stray Paper”, “Helter Skeleton” e “Rollin’ and Tumblin’”, quest’ultima la mia preferita, riesce a dare una scossa decisa all’intero lavoro, che continua comunque sulla strada più rock proposta dalla band, con pezzi come “Red Violins” e “Selected Poems”. In conclusione, degna di menzione, la struggente “Break Your Heart”.

Un disco che, in definitiva, non delude affatto, nonostante non abbia pezzi totali come quelli presenti in “Handwritten”, veri e propri capolavori più unici che rari, praticamente impossibili da riproporre. Ancora una volta The Gaslight Anthem promossi.

Voto: 7,5/10

Thomas Poletti

www.thegaslightanthem.com

Brian Fallon Get Hurt rock The Gaslight Anthem
Finalmente ecco tornare i Veara con un disco nuovo di zecca, dopo quasi tre anni e mezzo (ripeto, tre anni e mezzo!) dall’amatissimo, probabilmente da una ristretta cerchia di pop-punkers, “What We Left Behind”; l’appena citato lavoro ottenne una discreta fama, grazie anche al fatto di esser stato co-prodotto dal buon Jeremy McKinnon, non l’ultimo arrivato insomma.
Ecco quindi ritornare in scena i quattro della Georgia: dopo numerossissimi concerti negli Stati Uniti e nel resto del mondo, la band si trova di fronte alla dura prova della ri-conferma con questo “Growing Up Is Killing Me”.

Via il dente via il dolore: il disco non è nulla di eclatante. Con questo non affermo che sia un pessimo disco, inascoltabile e di difficile comprensione, ma sicuramente non risulta essere un lavoro davvero ben riuscito. Tra le 12 tracce presenti, spiccano la title-track “Growing Up Is Killing Me”, che vede la presenza di Dan “Soupy” Campbell (The Wonder Years), “None Of The Above” con le sue sonorità che ricordano i Veara del 2010, “The Worst Part Of You” e “Paralysis By Analysis”. Il resto dei pezzi non risulta funzionare a pieno, rimanendo piuttosto incolore, privo di quelle melodie ultra-catchy che hanno caratterizzato molto la band.

Un lavoro quindi che rimane un po’ nella “terra di mezzo”, non riuscendo a confezionare né hit memorabili, né brani da cestinare al primo ascolto: la sufficienza è innegabile, ma è possibile che un alone di delusione aleggi durante l’ascolto di “Growing Up Is Killing Me”.

Voto: 6.5/10

Poletti Thomas

www.vearaband.com

georgia growing up is killing me pop pop-punk punk Veara
E’ a partire dall’ultimo marzo che i Dead Ends han lavorato duramente alla realizzazione del loro ep d’esordio “Petrichor”, uscito solo il 20 dicembre negli store digitali: i cinque ragazzi propongono un intrico stilistico di alternative metal, metalcore e screamo, e con questo release si rivelano essere una band dalla personalità matura e sviluppata, che ha saputo mettere insieme le molteplici idee che traspaiono nel lavoro finale e rendono particolare ogni traccia del disco.

“The End” si presenta con un intro pieno di synth eterei unito a tagli melodici che abbracciano le parti feroci ed aggressive: è proprio qui che risiede ed emerge una buona dose di tecnica, esposta nel saper padroneggiare al meglio le parti. Brani come “Break The Silence” vede chitarre fragorose e colpi secchi e possenti sulla batteria, è adrenalinica ma bilanciata da melodie invitanti: possiamo definirla l’anima del disco. In “Between The Lies” il clima nero, oscuro a volte horror-metal è caricato e parodiato da un metal sfrontato, veloce, sbarazzino; il comparto vocale vede la presenza di diversi cori, oltre agli abituali ritornelli con inserti in clean che tagliano l’aggressività del cantato. L’ultima perla del lavoro è “Here Comes My Pain”, dal sapore e dal timbro delle chitarre cupi nonché dal doppio cantato, uno screaming rognoso che lascia respirare le “pene” dei cinque artisti.

Posso affermare che l’album ha un suo fascino (partendo in primis dalla copertina e dai titoli dei brani): è un lavoro in definitiva piacevole anche per chi abitualmente non frequenta questi territori sonori. La produzione è ottima, la band ci ha messo il massimo impegno e dimostra di avere qualità non comuni, pur non offrendo sostanziali novità.

Voto: 8/10

Fabiola Skraqi

www.facebook.com/deadendsofficial

dead ends petrichor
Nuovo disco per gli All Time Low, band che non necessita più di molte presentazioni, essendo ormai al top della scena pop-punk mondiale: il definitivo passo verso il mainstream radiofonico viene fatto con questo “Future Hearts”, molto atteso più dai fan di ultima generazione che da quelli di vecchia data.

Come appena detto, il sound “da radio” pervade praticamente ogni pezzo dei 13 presenti nel lavoro, rendendoli tutti molto, molto commerciali: ritmi piuttosto lenti, melodie morbidissime (ancor più rispetto a quelle passate) e assenza di quella carica che fino ad ora aveva fatto produrre alla band dischi decisamente sopra la media. Questa assenza mi fa percepire i brani come privi di anima, facendoli divenire uno la copia dell’altro, senza differenziazione sostanziale. “Kickin’ & Screamin”, “Something’s Gotta Give” e “Kids In The Dark” sono probabilmente le migliori (pur lasciandomi comunque parecchio perplesso), circondate da una decina di pezzi di preoccupante leggerezza.

Il disco otterrà sicuramente notevoli risultati commercialmente parlando, anche se resterà per il sottoscritto il punto più basso della carriera musicale della band.

Voto: 5,5/10

Thomas Poletti

www.alltimelow.com

All Time Low future hearts
Premetto di non conoscere questo gruppo prima degli ascolti necessari a scrivere questa recensione, e comunque parte avvantaggiato, avendo dato all’album il nome di uno dei miei gruppi preferiti, ma cercherò di non farmi influenzare più di tanto, promesso. Il sound mi prende, percepisco qualcosa da Parkway Drive e In Flames, i riff sono decisi e marcati, il progetto sembra solido e mi faccio trasportare abbastanza. Trovo azzeccato il poco utilizzo delle parti melodiche sulla voce e sento qualche richiamo al metal leggermente più classico.

Passiamo all’analisi del disco, il terzo full lenght per essere precisi, dopo una pausa che dura dal 2008 e che vede Jona Weinhofen prendere una decisione abbastanza importante, quella di lasciare i Bring Me The Horizon per abbracciare a tempo pieno questo progetto. Dopo l’intro parte “To The Wolves”, il singolo del disco, che fa subito capire la dimensione dell’album e ci prepara all’ascolto dell’intero lavoro…già, perché l’intero disco ha pressoché sempre lo stesso stampo; chiarisco, le idee non mancano, ma non trovo un pezzo che spicca più di un altro, il livello è comunque buono, ma manca il pezzo “trascinatore” e non ritrovo nel loro singolo questa caratteristica. Tra i pezzi migliori, direi “Calvert Street”, un bel pezzone potente che fa sentire le influenze del produttore, “Kjærlighet “ che potrebbe passare per la ballad del disco,”Nightmares” altro pezzo con delle ottime parti di chitarra e batteria e la closer “Brevity” con un finale azzeccatissimo per la chiusura del loro lavoro.

In conclusione direi che il lavoro è ampiamente sufficiente, i loro fan penso che siano stati ripagati della lunga attesa; la mancanza di almeno un pezzo di risalto mi lascia un po’ di amaro in bocca, ma comunque diamo il merito a questi ragazzi australiani, che hanno tirato fuori un bel progetto. Speriamo lo portino avanti e non si fermino come già in passato hanno fatto: a parer mio i margini per crescere ci sono, tutti i componenti hanno una già solida esperienza e si sentono le capacità; restiamo in attesa anche di un live per vedere come se la cavano sul palco.

Voto 6,5/10

Dave

www.ikilledthepromqueen.com

Beloved I Killed The Prom Queen metal metalcore
Nato a Philadelphia, cresciuto negli anni dell’America reaganiana, prima membro di gruppi hardcore-punk e poi più recentemente leader del gruppo punk-rock The Loved Ones, fino alla recente carriera da solista che con questo “Devour” arriva al secondo episodio; un album che è figlio degli ultimi avvenimenti che hanno caratterizzato la vita personale e professionale del buon Dave Hause (dalla fine del suo matrimonio alla situazione di indefinito stand-by con i The Loved Ones). Il risultato è sostanzialmente un lavoro in cui Hause si racconta parlando direttamente ai propri fan nella maniera più sincera possibile.

In “The Great Depression” e “We Could Be Kings” descrive la propria generazione, quella cresciuta con tante false speranze e regole da dover seguire e che oggi si ritrova impreparata ed incredula di fronte ai problemi sociali; Hause sembra voler ripercorrere le orme dei grandi cantautori americani come Dylan e ispirandosi musicalmente allo stile di Springsteen. Il lato più personale affiora in brani come “ Same Disease”, “Father’s Son” o “Becoming Secular” in cui il cantautore affronta apertamente il tema della fine della sua relazione sentimentale; nonostante qualche metafora è chiaro a chi si sta riferendo e il tono dei brani è piuttosto malinconico. Tuttavia un po’ di positività e di speranza si ritrova in “Shine”, a mio parere il miglior pezzo dell’album, e nella ballad “Bricks”. A dimostrazione del fatto che l’album sia una sorta di racconto di sé stesso agli ascoltatori c’è sia il pezzo iniziale “Damascus” (in cui invita tutti a mettersi belli comodi e prendersi un drink) e il brano finale “Benediction” composto principalmente da domande lasciate in sospeso.

In definitiva questo disco mostra un ottimo lavoro di songwriting che quasi nasconde l’aspetto musicale, che era più coinvolgente e di maggiore impatto nel precedente album solista. Un album molto personale (come è giusto che fosse) che si distacca dai suoi album con i The Loved Ones e che dà definitivamente il via ad una carriera solista.

Voto:7/10

David Lorandi

www.davehause.com

Dave Hause devour Loved Ones Philadelphia

Live report – Bury Tomorrow + Chunk! No, Captain Chunk! – Honky Tonky

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